El 24 de septiembre de 2022
abrió las puertas de nuevo
el Museo Real de Bellas Artes de Amberes.
Tras 11 largos años
de reformas arquitectónicas y reestructuración de la colección,
por fin se pueden volver a visitar
los grandes maestros del arte occidental
que desde hace varios siglos colgaban de sus paredes.
Como se ha dicho, se han conjugado, en paralelo, dos procesos:
la modernización de los espacios consiguiendo
un mayor número de metros cuadrados de espacio expositivo;
y el crear un nuevo recorrido, no cronológico, sino temático,
en el que se combinan
obras de periodos muy diversos en las mismas salas
siguiendo los postulados de la nueva museología.
También se han mejorado los almacenes,
que ahora constituyen un depósito de 3660 m cuadrados de estanterías
para pinturas en dos plantas.
Se trata de una estancia
libre de polvo y vibraciones que cuenta
con control de temperatura de última generación.
Todo ello se ha realizado sin dañar la estructura original del s. XIX,
obra de los arquitectos
Jean-Jacques Winders y Frans Van Dijk.
Se han combinado espacios totalmente nuevos
con una arquitectura moderna y luminosa,
con las galerías en rojo antiguo, verde oliva y rojo pompeyano
decoradas con adornos de yeso en el techo,
todas ellas levantadas sobre un suelo de parqué
que ha sido devuelto a su brillo original.
Esta intervención que describiremos a continuación
ya ha recibido reconocimientos por parte de la crítica.
Uno de ellos es el Premio Europeo
de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico,
un galardón otorgado por el Colegio de Arquitectos
para la Defensa y la Intervención en el Patrimonio Arquitectónico
y el Colegio de Arquitectos de Cataluña.
El estudio de arquitectura y urbanismo KAAN,
encabezado por Kees Kaan, Vincent Panhuysen y Dikkie Scipio,
se encargó de todo el proceso
intentando atentar lo menos posible al edificio original,
pero consiguiendo,
con la reestructuración de cuatro patios,
dar mayor espacio al plan museográfico.
La parte nueva del museo
se desarrolla alrededor de una estructura de acero
que pesa un millón de kilogramos
con un atajo a través del edificio del s. XIX
para unir los dos lados del nuevo volumen.
La asimetría es el "leitmotiv" de las diez nuevas galerías.
La altura, el volumen y la iluminación varían
creando un contraste
con la simetría de la sección clásica.
Los nuevos volúmenes están acabados en blanco.
Paredes de cartón yeso, falsos techos,
suelos de hormigón limpios
y una escalera monumental de caracol.
Una vez asentados estos nuevos espacios,
se procedió a recuperar
el esplendor de las salas del edificio antiguo.
A todos los techos se les ha dado un color uniforme
mientras que el de las paredes varía según el uso del espacio
que, como se ha dicho,
varían desde el rojo Pompeya al verde oliva,
mientras que los marcos ornamentales
de las galerías Rubens y Van Dyck estarán decorados con oro.
Creación y renovación arquitectónica
son los dos polos que, bien equilibrados,
han asombrado a la crítica por su cuidado resultado.
A todo ello habría que añadir las mejoras en la climatización,
biblioteca, las oficinas y los espacios ajardinados.
El proceso de creación del discurso museográfico fue complejo
y nos lo narra ahora uno de los conservadores del museo,
Herwig Todts,
responsable de la colección de arte contemporáneo.
Estas últimas salas presentan acabados muy diáfanos y modernos
que permiten un disfrute de la obra sin barreras arquitectónicas
ni amontonamiento de piezas.
Se pueden distinguir bien los conceptos a discutir,
fuera las citadas cuestiones de luz, color o forma.
Dos son los artistas
que mayor relevancia tienen actualmente
en el discurso expositivo:
el pintor barroco Pedro Pablo Rubens
y el creador contemporáneo James Ensor.
Sobre el primero de ellos nos habla el conservador
Nico Van Houdt.
El otro icono, Ensor,
ocupa las nuevas salas con una factura mucho más moderna
de paredes blancas, con tragaluces, donde entra la luz natural.
Uno de los aspectos más interesantes de esta reforma
es, sin lugar a duda, el diálogo entre obras de artistas
del mundo medieval y moderno con otros contemporáneos
centrada, como se dijo, en asuntos temáticos
que permiten ver
cómo, en una aproximación de larga duración,
el mismo concepto como el que tienen ahora en imagen
dedicado a la faz de Cristo y su madre
que ha sido plasmado por dos pintores, Vaultz y Ensor,
de periodos muy distintos,
con resultados que conmueven igualmente al espectador,
que funcionan de modo atemporal.
Este diálogo se da también en lo performativo.
En esta reforma,
se han tratado de aprovechar todos los espacios,
incluidos los de paso,
que comportan una dificultad añadida
en la conservación de las obras.
Destaca una sala de estas características
en la que se proyecta en las paredes,
a modo de experiencia inmersiva multisensorial,
una serie de animaciones basadas
en cuatro de las principales obras de la colección
como, por ejemplo,
"La Virgen con el Niño y ángeles", de Jean Fouquet,
y "El Dios Padre con ángeles, cantores y músicos",
de Hans Memling,
creando un juego visual que interpela al espectador
y le anima a disfrutar de estos elementos performativos
a la vez que se fija en pequeños detalles de las pinturas
cuya descripción aparece en el muro central.
No es esta la única sorpresa que nos depara el museo.
La interpelación al espectador
a reflexionar sobre detalles de las obras de arte expuestas
mediante la performatividad
se da también gracias a la inclusión
de diez instalaciones artísticas
a cargo del artista y director de ópera belga Christophe Coppens.
En diversas salas, juega con la inclusión de esculturas
basadas en fragmentos de las pinturas expuestas,
en muchos casos móviles e interactivas.
Desde una mano extraída
de un "San Jerónimo" de un artista flamenco del s. XVI
a un camello de la "Adoración de los Magos", de Rubens,
que hace las veces de sillón de descanso
y espacio de recreo infantil,
a un cráneo de un esqueleto animal de las "Tentaciones de San Antonio"
que se ilustra con una obra de Marten de Vos.
Frente a estos elementos performativos,
el museo también fomenta
la reflexión sobre la obra de arte de modo pausado y detenido,
la necesidad de contemplarla aisladamente.
De ahí que proponga que algunas de sus obras maestras
se muestren solas en una pared
invitando al espectador a sentarse y mirarlas reposadamente.
Por todo lo indicado, tras esta reforma
esta institución se ha convertido
en un modelo de renovación arquitectónica y museológica,
un referente no solo desde el punto de vista
de la calidad de las piezas que conserva,
sino, sobre todo, de cómo involucra al espectador
a través de un montaje mimado hasta el último detalle.